키타다 테츠야 KITADA TETSUYA, Tokyo Drawing 16
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Tokyo Drawing 16 , 2018, Collage Crayons and paper, h685mmxw770mm,
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도쿄 드로잉
1. 재료는 단순해야 한다 (값싸고 누구나 쉽게 구할 수 있어야 한다).
2. 기법은 일부러 정제되지 않은 상태를 지향해야 한다 (그래야 사람들이 “나도 할 수 있겠네!”라고 느낀다).
3. 미완성된 작품을 완성된 것으로 여겨야 한다. (미야자와 겐지의 말: “끝나지 않은 미완성, 그것이 완성이다.”)
4. 얼룩, 주름, 얼룩자국, 번짐, 울퉁불퉁한 채색, 실수로 그은 선, 망설인 선, 의도된 범위를 벗어난 선, 지우지 않은 선,
중간에 멈춘 선 등은 모두 숨기지 않고 그대로 드러나야 하며, 이 과정을 통해 작품이 완성되어 가는 진행 상태가 보이도록 해야 한다.
건축역사학자이자 건축가 후지모리 데루노부는 이전에 현대 건축을 “빨강”과 “하양”의 범주로 나눈 바 있다.
‘하양’은 흰 박스 같은 일반적인 현대 건물을 뜻하며, ‘빨강’은 그와는 반대로, 재료의 질감 자체가 드러나는 건축을 가리킨다.
‘빨강’ 건축은 보통 밀도 있고 다소 털이 있는 느낌을 준다.
자연스럽게, Tokyo Drawing은 이 ‘빨강’ 범주에 속한다. 그러나 그 자체만으로는 부족하므로 여기에 다음의 설명을 덧붙인다.
본질적으로 이 ‘빨강’은 근대 디자인을 흡수했으며, 전후 일본이 전통을 잃고 서구화(Westernization)로 넘어가며
소비주의를 마주하게 된 역사적 흐름도 품고 있다. 이 흐름은 미니멀리즘의 세계를 지나오며 지속되었다.
이처럼 수많은 영향 아래, Tokyo Drawing은 ‘정제’라는 높은 수준의 순수함을 유지할 수 없었고, 학문적 정통성 또한 약하다.
대신에, 보다 대중적인 측면들, 소비주의의 영향을 받은 취향을 소중히 여긴다.
그 결과, Tokyo Drawing은 직설적이고 현실적인 요소를 갖춘 스타일로 귀결된다.
그것이 바로 Tokyo Drawing이다.
미니멀리즘 화가 프랭크 스텔라는 “캔버스에는 오직 페인트만 있을 뿐이다.”라고 말했다.
이 말은 맛, 시, 인문성(문학적인 성격을 부여하는 요소)을 불순물로 간주한다는 의미로 해석될 수 있다.
나는 이 의견에 동의하지 않는다. 여전히 많은 이들이 예술에서 풍미, 시, 인간미를 추구한다고 생각한다.
그 점들이 예술을 아름답게 만든다.
물론 모든 사람이 그것을 이해하는 것은 아니지만, 반대로 이러한 요소들이 들어가 있기에
예술이 ‘구식’으로 느껴진다고 말하는 사람도 있다는 점도 상상할 수 있을 것이다.
그래서 삶은 계속된다. (So It Goes.)
- 키타다 테츠야 KITADA TETSUYA
Tokyo Drawing
1. The materials should be simple (inexpensive and easy for anyone to obtain).
2. The technique should aim to be unrefined (so people think, “I could do that too”).
3. Always consider an unfinished work as complete (As Kenji Miyazawa said, “Permanently unfinished is complete.” ).
4. Stains, dirt, wrinkles, smudges, uneven paint, bleed-through, mistaken lines, hesitant lines, lines that go outside the intended area,
lines that couldn’t be erased, and lines that were stopped midway — all these should be kept visible as part of the process (so the progress up to completion can be seen).
Architectural historian and architect Terunobu Fujimori previously divided modern architecture into "red" and "white" categories in his book.
The "white" category refers to the typical modern buildings that look like white boxes.
The "red" category, on the other hand, describes buildings that are not so clean and as clean as the “white” ones but rather express the texture of their materials,
making them appear "dense and hairy."
Naturally, Tokyo Drawing falls into the “red” category, but that alone is not enough,
so let me add a bit more. Essentially, it represents a “red” category that has digested the “white” one. A purely “dense red” could end up looking too rustic,
so it is crucial to emphasize that it is a “red” that has passed through modern design.
To elaborate further, it means that this “red” has absorbed modern design,
been overrun by the “Westernization” that became our tradition after the war,
and sincerely faced the wave of consumerism,
passing through the realm of minimalism as well.
Given its exposure to numerous influences,
it could not remain pure or achieve a high degree of “refinement.”
It lacks a strong academic element; instead,
it cherishes more vulgar aspects, influenced by consumerism.
Consequently, Tokyo Drawing inevitably exhibits straightforward
and starkly realistic qualities in its appearance.
That is what Tokyo Drawing is.
* The minimalist painter Frank Stella said, “There is nothing on the canvas but paint.”
I interpret this to mean that elements like flavor, poetry, or humanism (which give a painting a literary quality) are considered impurities.
I am among those who had their eyes opened by this statement. However, I believe many people still seek flavor, poetry,
and humanism in art, thinking those qualities make it wonderful.
While that is understandable, I hope you can also imagine that there are other ways to view art,
and that some people feel that art becomes “old-fashioned” if it contains “flavor or poetry.”
So It Goes.
- 키타다 테츠야 KITADA TETSUYA
작가 소개 | 키타다 테츠야 KITADA TETSUYA
1950년대 중반 일본 가나가와현 치가사키에서 출생. 도쿄 다마미술대학 그래픽디자인과를 졸업한 후 그래픽 디자이너로 활동했으며, 만화, 캐릭터 디자인, 애니메이션, 패션 등 다양한 장르에서 1970년대부터 현재까지 일본 서브컬처의 중심에서 작업을 이어오고 있다.
대표작으로는 1990년대 후지TV 아동 프로그램의 캐릭터로 선풍적인 인기를 끈 ‘P짱’, 패션 브랜드 및 만화로 널리 알려진 《RAP CITY》, 알파벳 캐릭터 시리즈 등이 있다.
미쓰비시, 스바루, 츠타야 등 다양한 기업과 협업했으며, 1999년 뉴욕 페스티벌 광고 부문 금상 수상, 60여 권의 서적 표지 디자인 등 다채로운 경력을 쌓아왔다. 최근에는 소재의 에이징과 감정의 시간성을 조형화하는 작업을 통해 일본 대중문화의 아카이브적 역할을 수행하고 있다.
“Permanent incompletion, this is completion.”
“실수한 선, 지워지지 않은 선, 멈춘 선은 가려지지 않아야 한다.”
“그림은 언제나 완성되었고, 동시에 진행 중이다.”
– 작가 노트 발췌
작가는 이번 전시를 통해 ‘일상의 방’이라는 공간이야말로 작품과 관객이 가장 친밀하게 만나는 장소임을 시사한다. “예술은 모두의 것”이라는 철학을 바탕으로, 키타다는 관람객에게 현대미술에 대한 선입견을 내려놓고 예술을 일상처럼 즐기기를 권유한다.
Exhibition Overview
Gallery ColonB is pleased to present In My Room, Seoul, a solo exhibition by Japanese graphic designer and artist Kitada Tetsuya (KITADA TETSUYA, 北田哲也). This exhibition is co-organized with CREATIVE SPACE HAYASHI in Chigasaki, Japan, and marks the artist’s first major introduction to Korean audiences.
The title In My Room, Seoul stems from Kitada’s unique perspective of treating his personal room not just as a living space, but as an exhibition site where everyday life and artistic creation coexist. His works construct a character universe shaped by fragments of emotion, childhood sentimentality, and traces of popular culture—offering more than simple cuteness by capturing layered narratives and the spirit of an era.
Spanning across drawing, graphic design, and publishing, Kitada’s oeuvre encapsulates a distinct visual language and emotional resonance. This exhibition highlights his aesthetics of "permanent incompletion," visually capturing the fading sensibilities of the analog era in today's digital image-consuming society.
A special highlight of the exhibition is a selection of over 20 large-format art posters featuring Kitada’s iconic characters with warm, encouraging messages such as “Cheer up!”, “Happy Birthday”, and “We can do it together.” Also on view are five books authored by Kitada and original drawings from his <Tokyo Drawing> series.
Artist Biography | KITADA TETSUYA
Born in the mid-1950s in Chigasaki, Kanagawa Prefecture, Japan, Kitada graduated from Tama Art University in Tokyo with a degree in graphic design. Since the 1970s, he has worked at the heart of Japan’s subculture scene, spanning manga, character design, animation, and fashion.
His major works include “P-chan,” the beloved character from a 1990s Fuji TV children’s program, the fashion and manga crossover series RAP CITY, and a series of alphabet characters that garnered wide acclaim.
Kitada has collaborated with various corporations such as Mitsubishi, Subaru, and Tsutaya. He won the Gold Prize in the Advertising Division at the 1999 New York Festivals and has designed over 60 book covers throughout his career. More recently, his work has explored the aging of materials and the temporal nature of emotions, fulfilling an archival role in preserving Japanese pop culture.
“Permanent incompletion, this is completion.”
“Mistaken lines, un-erased lines, and interrupted lines should not be hidden.”
“A drawing is always completed, and at the same time, always in progress.”
— From the artist's notes
Through this exhibition, Kitada suggests that the ‘everyday room’ is the most intimate site for encounters between art and audience. With his belief that “art belongs to everyone,” he invites viewers to shed their preconceptions of contemporary art and embrace creativity as part of daily life.
카드결제는 콜론비아츠 갤러리 현장 결제만 가능합니다.
Online shop에서는 계좌입금과 paypal로 결제 가능합니다.
도쿄 드로잉
1. 재료는 단순해야 한다 (값싸고 누구나 쉽게 구할 수 있어야 한다).
2. 기법은 일부러 정제되지 않은 상태를 지향해야 한다 (그래야 사람들이 “나도 할 수 있겠네!”라고 느낀다).
3. 미완성된 작품을 완성된 것으로 여겨야 한다. (미야자와 겐지의 말: “끝나지 않은 미완성, 그것이 완성이다.”)
4. 얼룩, 주름, 얼룩자국, 번짐, 울퉁불퉁한 채색, 실수로 그은 선, 망설인 선, 의도된 범위를 벗어난 선, 지우지 않은 선,
중간에 멈춘 선 등은 모두 숨기지 않고 그대로 드러나야 하며, 이 과정을 통해 작품이 완성되어 가는 진행 상태가 보이도록 해야 한다.
건축역사학자이자 건축가 후지모리 데루노부는 이전에 현대 건축을 “빨강”과 “하양”의 범주로 나눈 바 있다.
‘하양’은 흰 박스 같은 일반적인 현대 건물을 뜻하며, ‘빨강’은 그와는 반대로, 재료의 질감 자체가 드러나는 건축을 가리킨다.
‘빨강’ 건축은 보통 밀도 있고 다소 털이 있는 느낌을 준다.
자연스럽게, Tokyo Drawing은 이 ‘빨강’ 범주에 속한다. 그러나 그 자체만으로는 부족하므로 여기에 다음의 설명을 덧붙인다.
본질적으로 이 ‘빨강’은 근대 디자인을 흡수했으며, 전후 일본이 전통을 잃고 서구화(Westernization)로 넘어가며
소비주의를 마주하게 된 역사적 흐름도 품고 있다. 이 흐름은 미니멀리즘의 세계를 지나오며 지속되었다.
이처럼 수많은 영향 아래, Tokyo Drawing은 ‘정제’라는 높은 수준의 순수함을 유지할 수 없었고, 학문적 정통성 또한 약하다.
대신에, 보다 대중적인 측면들, 소비주의의 영향을 받은 취향을 소중히 여긴다.
그 결과, Tokyo Drawing은 직설적이고 현실적인 요소를 갖춘 스타일로 귀결된다.
그것이 바로 Tokyo Drawing이다.
미니멀리즘 화가 프랭크 스텔라는 “캔버스에는 오직 페인트만 있을 뿐이다.”라고 말했다.
이 말은 맛, 시, 인문성(문학적인 성격을 부여하는 요소)을 불순물로 간주한다는 의미로 해석될 수 있다.
나는 이 의견에 동의하지 않는다. 여전히 많은 이들이 예술에서 풍미, 시, 인간미를 추구한다고 생각한다.
그 점들이 예술을 아름답게 만든다.
물론 모든 사람이 그것을 이해하는 것은 아니지만, 반대로 이러한 요소들이 들어가 있기에
예술이 ‘구식’으로 느껴진다고 말하는 사람도 있다는 점도 상상할 수 있을 것이다.
그래서 삶은 계속된다. (So It Goes.)
- 키타다 테츠야 KITADA TETSUYA
Tokyo Drawing
1. The materials should be simple (inexpensive and easy for anyone to obtain).
2. The technique should aim to be unrefined (so people think, “I could do that too”).
3. Always consider an unfinished work as complete (As Kenji Miyazawa said, “Permanently unfinished is complete.” ).
4. Stains, dirt, wrinkles, smudges, uneven paint, bleed-through, mistaken lines, hesitant lines, lines that go outside the intended area,
lines that couldn’t be erased, and lines that were stopped midway — all these should be kept visible as part of the process (so the progress up to completion can be seen).
Architectural historian and architect Terunobu Fujimori previously divided modern architecture into "red" and "white" categories in his book.
The "white" category refers to the typical modern buildings that look like white boxes.
The "red" category, on the other hand, describes buildings that are not so clean and as clean as the “white” ones but rather express the texture of their materials,
making them appear "dense and hairy."
Naturally, Tokyo Drawing falls into the “red” category, but that alone is not enough,
so let me add a bit more. Essentially, it represents a “red” category that has digested the “white” one. A purely “dense red” could end up looking too rustic,
so it is crucial to emphasize that it is a “red” that has passed through modern design.
To elaborate further, it means that this “red” has absorbed modern design,
been overrun by the “Westernization” that became our tradition after the war,
and sincerely faced the wave of consumerism,
passing through the realm of minimalism as well.
Given its exposure to numerous influences,
it could not remain pure or achieve a high degree of “refinement.”
It lacks a strong academic element; instead,
it cherishes more vulgar aspects, influenced by consumerism.
Consequently, Tokyo Drawing inevitably exhibits straightforward
and starkly realistic qualities in its appearance.
That is what Tokyo Drawing is.
* The minimalist painter Frank Stella said, “There is nothing on the canvas but paint.”
I interpret this to mean that elements like flavor, poetry, or humanism (which give a painting a literary quality) are considered impurities.
I am among those who had their eyes opened by this statement. However, I believe many people still seek flavor, poetry,
and humanism in art, thinking those qualities make it wonderful.
While that is understandable, I hope you can also imagine that there are other ways to view art,
and that some people feel that art becomes “old-fashioned” if it contains “flavor or poetry.”
So It Goes.
- 키타다 테츠야 KITADA TETSUYA
작가 소개 | 키타다 테츠야 KITADA TETSUYA
1950년대 중반 일본 가나가와현 치가사키에서 출생. 도쿄 다마미술대학 그래픽디자인과를 졸업한 후 그래픽 디자이너로 활동했으며, 만화, 캐릭터 디자인, 애니메이션, 패션 등 다양한 장르에서 1970년대부터 현재까지 일본 서브컬처의 중심에서 작업을 이어오고 있다.
대표작으로는 1990년대 후지TV 아동 프로그램의 캐릭터로 선풍적인 인기를 끈 ‘P짱’, 패션 브랜드 및 만화로 널리 알려진 《RAP CITY》, 알파벳 캐릭터 시리즈 등이 있다.
미쓰비시, 스바루, 츠타야 등 다양한 기업과 협업했으며, 1999년 뉴욕 페스티벌 광고 부문 금상 수상, 60여 권의 서적 표지 디자인 등 다채로운 경력을 쌓아왔다. 최근에는 소재의 에이징과 감정의 시간성을 조형화하는 작업을 통해 일본 대중문화의 아카이브적 역할을 수행하고 있다.
“Permanent incompletion, this is completion.”
“실수한 선, 지워지지 않은 선, 멈춘 선은 가려지지 않아야 한다.”
“그림은 언제나 완성되었고, 동시에 진행 중이다.”
– 작가 노트 발췌
작가는 이번 전시를 통해 ‘일상의 방’이라는 공간이야말로 작품과 관객이 가장 친밀하게 만나는 장소임을 시사한다. “예술은 모두의 것”이라는 철학을 바탕으로, 키타다는 관람객에게 현대미술에 대한 선입견을 내려놓고 예술을 일상처럼 즐기기를 권유한다.
Exhibition Overview
Gallery ColonB is pleased to present In My Room, Seoul, a solo exhibition by Japanese graphic designer and artist Kitada Tetsuya (KITADA TETSUYA, 北田哲也). This exhibition is co-organized with CREATIVE SPACE HAYASHI in Chigasaki, Japan, and marks the artist’s first major introduction to Korean audiences.
The title In My Room, Seoul stems from Kitada’s unique perspective of treating his personal room not just as a living space, but as an exhibition site where everyday life and artistic creation coexist. His works construct a character universe shaped by fragments of emotion, childhood sentimentality, and traces of popular culture—offering more than simple cuteness by capturing layered narratives and the spirit of an era.
Spanning across drawing, graphic design, and publishing, Kitada’s oeuvre encapsulates a distinct visual language and emotional resonance. This exhibition highlights his aesthetics of "permanent incompletion," visually capturing the fading sensibilities of the analog era in today's digital image-consuming society.
A special highlight of the exhibition is a selection of over 20 large-format art posters featuring Kitada’s iconic characters with warm, encouraging messages such as “Cheer up!”, “Happy Birthday”, and “We can do it together.” Also on view are five books authored by Kitada and original drawings from his <Tokyo Drawing> series.
Artist Biography | KITADA TETSUYA
Born in the mid-1950s in Chigasaki, Kanagawa Prefecture, Japan, Kitada graduated from Tama Art University in Tokyo with a degree in graphic design. Since the 1970s, he has worked at the heart of Japan’s subculture scene, spanning manga, character design, animation, and fashion.
His major works include “P-chan,” the beloved character from a 1990s Fuji TV children’s program, the fashion and manga crossover series RAP CITY, and a series of alphabet characters that garnered wide acclaim.
Kitada has collaborated with various corporations such as Mitsubishi, Subaru, and Tsutaya. He won the Gold Prize in the Advertising Division at the 1999 New York Festivals and has designed over 60 book covers throughout his career. More recently, his work has explored the aging of materials and the temporal nature of emotions, fulfilling an archival role in preserving Japanese pop culture.
“Permanent incompletion, this is completion.”
“Mistaken lines, un-erased lines, and interrupted lines should not be hidden.”
“A drawing is always completed, and at the same time, always in progress.”
— From the artist's notes
Through this exhibition, Kitada suggests that the ‘everyday room’ is the most intimate site for encounters between art and audience. With his belief that “art belongs to everyone,” he invites viewers to shed their preconceptions of contemporary art and embrace creativity as part of daily life.