2024 공예트렌드페어 Craft Trend Fair
일정 : 2024년 12월 12일(목) ~ 12월 15일(일) **12일 VIP DAY**
관람시간 : 오전 10시 ~ 오후 7시
*15일(일) 오후 6시까지
장소 : 코엑스 C홀
공예매개관 N201
주최 : 문화체육관광부
주관 : 한국공예·디자인문화진흥원, 공예진흥원
문의 : 070.4222.4986
gallerycolonb@gmail.com
www.colonbarts.com
갤러리 콜론비는 올해로 19회를 맞이하는 2024 공예트렌드페어에 참가합니다.
2021년과 2022년에 이어 세 번째로 참가하는 이번 페어에서는 '현대 공예'에 대한 사유를 바탕으로, 확장된 공예의 개념을 담은 작품들을 선보입니다.
Gallery Colon B is excited to participate in the 2024 Craft Trend Fair, marking its 19th edition.
Following our participation in 2021 and 2022, this will be our third time joining the event.
This year, we aim to present works that embody expanded concepts of craft, reflecting a profound contemplation of contemporary craft practices.
참여 작가
김유주 Kim Yoojoo
김윤경 Kim Yunkyung
심승욱 Sim Seungwook
아라이 에이 Arai Ei
아츠시 카네오야 Kaneoya Atsushi
야마다 나츠미 Yamada Natsumi
히로노 토쿠마스 Hirono Tokumasu
김유주 Kim Yoojoo
1984 서울대학교 미술대학 응용미술과 졸업
1986 서울대학교 대학원 졸업(도자공예)
1990~2003 경기대, 동덕여대, 명지대, 신구대, 서울대 강사
1997 이후 다수의 개인전과 그룹전
시카고, 동경, 샌프란시스코, 서울, 부산 아트페어 출품
현재 토회, 현대도예가회, 국제도자협의회 (IAC) 정회원
1984 Graduated from the Department of Applied Arts, College of Fine Arts, Seoul National University
1986 Graduated from the Graduate School of Ceramics, Seoul National University
1990–2003 Lecturer at Kyunggi University, Dongduk Women’s University, Myongji University, Shingu University, and Seoul National University
Since 1997 Numerous solo and group exhibitions
Participated in art fairs in Chicago, Tokyo, San Francisco, and Seoul
Member of Tohoe and the Contemporary Ceramic Artist, IAC(International Academy of Ceramics) ’ Association.
Migration
저는 완성된 작품을 만졌을 때 어떤 느낌일지에 대해 많이 생각합니다. 표면의 질감과 촉감을 연구하는 것이 제가 작업에서 가장 재미있어하는 부분입니다.
과거 캐스팅으로 하는 작업에서도 흙의 감성을 직접 만질 수 있도록 시유하지 않거나 흙으로 시유하고 여러 번 소성하는 등의 다양한 방법을 도모했던 저는 자기소지의 표면 질감 연구를 확장해서, 물리적 한계가 더 넓다고 할 수 있는 조형토의 힘을 빌어 뼈대를 이루고 살과 피부에 자기소지의 아름다운 질감을 적용해 보았습니다. 섬세한 캐스팅용 자기 소지에 익숙했던 제가 거친 알갱이 같은 조형토에 적응하는 데에는 생각보다 시간이 걸렸습니다.
그 무렵 아들 애가 결혼을 하여 가정을 이루고 새로운 공부와 삶을 위하여 외국으로 이주하였습니다. 적응하느라 고군분투하는 아들에게 새로운 삶의 터전은 미래를 알 수 없는 모험의 땅이었지요. 저는 그가 겪는 문화충격이 마치 저의 작업과 비슷하단 생각이 들었습니다. 적지 않은 나이에 작업과 재료를 바꾸었고, 물성이 전혀 다른 두 재료를 함께 적용하는 새 작업은 그 물성의 차이로 인해 소성 후 서로 화합하기가 쉽지 않고, 작품을 완성하는 일은 '마치 이민자가 겪는 문화충격처럼 지난한 과정이고, 결과를 예측할 수 없지만, 이 새로운 도전은 위험이라는 포장지에 쌓인 희망 덩어리이다'...이런 생각으로 지은 아들의 집은 말하자면 미래를 위한 도전과 화합에 관한 이야기입니다.
이 새로운 시도를 통해 저는 과거 재료를 통제하던 습관에서 벗어나 조금은 더 느슨한 방법으로 재료를 다루고, 재료 스스로 불과의 협력을 도모하도록 덜 통제하고 그 결과에 연연하지 않는 자세를 배우게 된 것 같습니다.
재료의 힘을 믿는 것 또, 불의 힘에 의지하고 결과를 맡기는 것. 재료와 과정을 통제하는 자가 아니라 관리하는 자로서 임하는 것.
젖어 있을 때 성형하는 도자기 소지는 건조와 소성 과정을 지나는 동안 수분이 날아가면서 크기가 줄어듭니다. 모든 도예용 소지는 그 종류에 따라 고유의 수축률을 갖고 있으며, 완성된 기물은 제작할 때보다 약 8~14% 정도 작아집니다. 저의 작업은 비교적 수축률이 적은(약 8~9%) 조형토로 뼈대 기물을 만들고 건조 후에 비교적 수축률이 큰(약12~14%) 자기소지(유약을 섞어 융점을 낮추고 안료를 넣은)로 표면을 겹겹이 바르는 것으로 진행합니다. 수축률과 소성온도의 차이 때문에 한 작품에 함께 사용한 두 개의 다른 소지는 불의 시련을 겪은 후 바람과는 다르게 매우 불안정한 상태로 남습니다. 뼈대보다 더 많이 수축해야 하는 자기 소지는 뼈대에 붙지 못하고 터지거나 벗겨져서 그 무게로 내려앉습니다. 물성 차이와 불의 힘으로 진행하는 이 실험적인 과정은 기온과 습도, 진행 속도, 소성 시간, 가마 안의 환경 등 다른 요인에 의해서도 영향을 받는데, 실패의 위험이 따르고 그 결과를 예측하기가 쉽지 않지만, 의외의 아름다운 결과를 가져오기도 합니다.
- 김유주 작가노트 중
NEXUS
나는 사람이 많이 사는 도시에 살다 보니 자연스럽게 사람이 관심의 대상이 되었다.
인간은 사회적 동물이므로 관계 안에서 성장하고 생존함에도 불구하고 사람 사이에 관계를 맺고 소중히 하는 일은 내게 늘 어려운 숙제이고 세상에 대한 경험치가 쌓일수록 더 어려워지는 것 같다. 나의 작품은, 늘 어려운 도전처럼 느껴지는 ‘관계 맺기‘에 관한 생각과 자세를 이야기한 것이다.
‘연결’이나 ‘결합’이라는 뜻을 가진 ‘넥서스(Nexus)'의 기본적인 형태는 유기체적 덩어리들이다. 원시 생명체처럼 보이는 유기체의 형태들은 개별적으로 놓여 있기도 하지만, 두세 덩어리씩 얽히면서 서로 기대어 의지하는 것 같은 모습을 만들어내고 있다. 흰 덩어리들이 서로 얽히고설켜 뭐 하나를 빼내기 어려울 것 같은 형상이다. 석고를 깎아 유기적인 굴곡 형태를 빚어 만든 작은 개체는 피스가 늘어날수록 서로 맞물리고 옭아매는 관계의 결합으로 나타났다. 혼자일 때는 서지 못하고 서로 의지해야 하는 한자 '사람 人(인)'자 처럼 관계를 이야기한다.
완벽하게 맞물린 듯 보이지만, 가까이 들여다보면 모듈 사이사이에 작은 틈이 존재한다. 틈, 사이라는 것은 결국은 미완의 공간이다. 완성되지 않은 공간이 완성을 향한 과정인 것처럼 인간으로서 성숙되어가는 과정과도 비슷하다. 주변에 좋은 영향력을 미칠 수 있고 배려심을 가질 수 있는지 이 작업을 통해 자연스럽게 스미고자 했다.
-김유주 작가노트 중
Living in a bustling city with a dense population naturally led me to focus on people as the main subject of interest. While humans are social creatures who grow and survive within relationships, forming and cherishing connections with others has always been a challenging task for me. The more life experience I accumulate, the more daunting this challenge seems to become. My work reflects my thoughts and approach to the inherently difficult task of “building relationships.”
The fundamental form of Nexus, which means “connection” or “link,” consists of organic masses. These organic shapes, reminiscent of primitive life forms, sometimes exist individually, but often interweave in groups of two or three, appearing to lean on and rely on one another. The white masses are entangled in such a way that it seems nearly impossible to separate one from the others. As the number of pieces increases, the small entities—carved from plaster into organic, curved forms—manifest as an interconnected and intertwined web of relationships.
Like the Chinese character for “person” (人, in), which illustrates mutual reliance, my work speaks about relationships that cannot be sustained alone. Though they appear perfectly interlocked, a closer inspection reveals small gaps between the modules. These gaps, or spaces in between, represent an incomplete state—unfinished spaces that, like the human journey toward maturity, are part of a process striving for completion. Through this work, I sought to reflect on whether I can exert a positive influence on others and cultivate a sense of empathy and consideration, letting these values naturally permeate through my art.
- Kim Yoojoo
김윤경 Kim Yunkyung
홍익대학교 대학원 미술학과 박사 졸업 (미술학박사, 조소전공)
Goldsmiths College, University of London, MFA Art Practice 졸업
이화여자대학교 조소과 졸업 및 동 대학원 조소과 졸업
개인전(1997년부터 다수의 개인전)
2024 Non-face-to-face (갤러리보나르, 하남)
2018 프리환기 선정전 “공간입기” (환기미술관, 서울)
2018 Viruscape (영은미술관, 경기도)
2017 스푼아트쇼 2017 (킨텍스, 서울)
2016 제13회 김종영 조각상 수상기념 초대전 (김종영미술관, 서울)
그룹전(1993년부터 다수의 개인전)
2024 영월기행 (문화공간 진달래장, 영월)
2024 9th PLAS ART SHOW, 조형아트쇼 (코엑스 B 홀, 서울)
2023 서울아트센터 개관특별전- 알마마터3 (서울아트센터 도암갤러리, 서울)
2022 김종영미술상 역대수상작가전 (김종영미술관, 서울)
2022 띵작! 팔릴레오! (갤러리 콜론비,서울)
2021 현대미술의 시선_현실과 이성의 조응(照應) (양평군립미술관, 경기도)
수상 및 공모 선정
2017 “프리환기 Prix Whanki” 창작공모 당선
2014 제13회 김종영조각상 수상
2013 Kohler BOLD. Art- 콜러 아시아 아트프로그램 후원작가 선정
2008 Taiwan International Video Art Exhibition 2008
2008 Entry forms- 주영한국문화원 재영한인작가전 선정
1997 제4회 공산미술제 우수상
1997 제19회 중앙미술대전 입선
1995 제6회 MBC 한국구상조각대전 입선
설치미술과 퍼포먼스
2016 알마마터2_reflection (가나아트센터, 서울)
2012 +Body+Building+ Dance Circle 21과 협업 (공근혜갤러리, 서울)
2011 System-pia전 오프닝 공연 (영은미술관, 경기도)
2010 REMIND_그곳을 기억하다_영은10주년 기념전 오프닝 공연(영은미술관, 경기도)
2008 4482-Korea emerging artist in London 오프닝 공연 (Bargehouse, London)
2008 Goldsmiths department of Art Postgraduate Show (Bath, London)
레지던시
2017~2018 영은미술관 창작스튜디오, YAFP (Youngen Artist Family Program) 작가, 한국
2007 University of Bern and Goldsmiths College exchange programme, Switzerland
2004~2005 영은미술관 창작스튜디오 5기 작가, 한국
경력
2019-2020 경기도 건축물미술작품 심의위원
2001-2020 가천대학교 대학원 조소과, 이화여자대학교, 수원대학교, 상명대, 홍익대학교 강사
외 다수
출판
Yun-Kyung,Kim, 2004, Mirrored Space, Seoul: ANA, 서울
Yunkyung Kim (김윤경, 金潤卿)
Education
Ph.D. in Fine Arts (Sculpture), Graduate School of Fine Arts, Hongik University, Seoul, Korea
MFA in Art Practice, Goldsmiths College, University of London, UK
BA and MA in Sculpture, Ewha Womans University, Seoul, Korea
Solo Exhibitions (Since 1997)
2024 Non-face-to-face (Gallery Bonard, Hanam, Korea)
2018 Prix Whanki Special Exhibition: Occupying Space (Whanki Museum, Seoul, Korea)
2018 Viruscape (Young Eun Museum of Contemporary Art, Gyeonggi, Korea)
2017 Spoon Art Show 2017 (KINTEX, Seoul, Korea)
2016 13th Kim Chong Yung Sculpture Award Exhibition (Kim Chong Yung Museum, Seoul, Korea)
Group Exhibitions (Since 1993)
2024 Yeongwol Journey (Cultural Space Jindalrae Jang, Yeongwol, Korea)
2024 9th PLAS ART SHOW (COEX Hall B, Seoul, Korea)
2023 Inaugural Exhibition of Seoul Art Center: Alma Mater 3 (Doam Gallery, Seoul Art Center, Seoul, Korea)
2022 Kim Chong Yung Sculpture Award Retrospective Exhibition (Kim Chong Yung Museum, Seoul, Korea)
2022 Masterpieces! Palileo! (Gallery Kolonbi, Seoul, Korea)
2021 Perspectives on Contemporary Art: Correspondence Between Reality and Rationality (Yangpyeong Museum of Art, Gyeonggi, Korea)
Awards and Selections
2017 Winner of Prix Whanki Creative Competition
2014 13th Kim Chong Yung Sculpture Award
2013 Selected Artist, Kohler BOLD. Art- Asia Art Program
2008 Selected Artist, Taiwan International Video Art Exhibition 2008
2008 4482-Korea Emerging Artists in London Exhibition
1997 Excellence Award, 4th Gong San Art Festival
1997 Honorable Mention, 19th Joongang Fine Art Prize
1995 Honorable Mention, 6th MBC Korea Figurative Sculpture Competition
Installation Art and Performances
2016 Alma Mater 2: Reflection (Gana Art Center, Seoul, Korea)
2012 +Body+Building+ in collaboration with Dance Circle 21 (Kongkanhae Gallery, Seoul, Korea)
2011 Opening Performance, System-pia Exhibition (Young Eun Museum of Contemporary Art, Gyeonggi, Korea)
2010 Opening Performance, Remind: Remembering the Place (Young Eun Museum of Contemporary Art, Gyeonggi, Korea)
2008 Opening Performance, 4482-Korea Emerging Artists in London (Bargehouse, London, UK)
2008 Goldsmiths Department of Art Postgraduate Show (Bath, London, UK)
Residencies
2017–2018 Resident Artist, Young Eun Museum of Contemporary Art Studio, YAFP (Youngen Artist Family Program), Korea
2007 Exchange Program Artist, University of Bern and Goldsmiths College, Switzerland
2004–2005 Resident Artist, Young Eun Museum of Contemporary Art Studio (5th Program), Korea
Professional Experience
2019–2020 Artworks and Architecture Review Committee Member, Gyeonggi Province, Korea
2001–2020 Lecturer, Graduate School of Sculpture, Gachon University, Ewha Womans University,
Suwon University, Sangmyung University, Hongik University
Publications
Kim, Yunkyung. 2004. Mirrored Space. Seoul: ANA.
이 작품은 피처럼 흐르는 불꽃 또는 불꽃처럼 흐르는 피의 이미지를 시각적으로 표현한 설치 작업이다. 문짝의 상단을 아치형으로 변형해 중세 제단화나 고딕 건축 요소를 떠올리게 하며, 강렬하고 상징적인 분위기를 연출한다. - 김윤경
This installation visually represents the image of flames flowing like blood or blood flowing like flames. The upper part of the door is arched, evoking elements of medieval altarpieces or Gothic architecture, creating an intense and symbolic atmosphere.
- Kim Yunkyung
‘입을 수 있는 조각’ 시리즈인 (2007~)의 첫 설치와 퍼포먼스 작품을 부조 형식으로 재현했다.
“네 시작은 미약하나 네 나중은 심히 창대하리라.”(욥 8:7)라는 구절처럼, 매일의 일상이 축적되어 역사를 이루듯, 작품은 하루하루의 시작과 다짐이라는 첫걸음에 깊은 의미를 부여한다. 이는 작은 시작이 모여 거대한 변화와 성취로 이어질 수 있음을 강조하며, 창조와 실천의 가치를 환기한다.
- 김윤경
The artist’s first installation and performance piece from the “Wearable Sculptures” series, (2007~), has been reinterpreted in relief form.
As reflected in the phrase, “Though your beginning was small, your latter days will be very great” (Job 8:7), the work emphasizes the significance of daily beginnings and the determination that fuels them. Just as everyday life accumulates to shape history, it highlights the profound value of each small step, underscoring the potential for even modest starts to lead to monumental transformations and achievements.
-Kim Yunkyung
바이러스를 모티브로 한 Viruscape(2015~)설치 작품 시리즈의 미니어처 버전이다. 현미경을 통해 확대된 메르스, 지카, 에볼라 등의 바이러스의 형태를 재조합하고 재배열하여 새로운 추상 패턴으로 제작하였고, 문이나 창문 등의 이미지와 매칭한다. 벽이나 문, 창문 등은 우리의 피부가 신체내부와 외부의 경계인 것처럼 안과 밖의 경계면으로써 피부의 연장선으로 표현한다. 신체의 안과 밖 경계에서 일어나는 갈등상황을 바이러스라는 이질적인 존재와의 충돌로 인한 부조화, 불협화음으로 드러낸다.
사실 바이러스는 인간에게는 위협적이고 치명적인 존재이지만 그들만의 세계에서는 아름다움과 질서가 존재할 수도 있다. 이질적인 것들끼리의 만남에서 발생하는 불협화음은 인간 사회 안에서도 항상 일어나는 상황이다. 현실에서 불편한 상황들을 화려한 색으로 위장한 바이러스 표면으로 덮어버린다.
- 김윤경
About the Viruscape Series (2015–Present)
Viruscape is a miniature installation series inspired by viruses such as MERS, Zika, and Ebola. Using microscopic images, the artist reassembles and rearranges viral forms into new abstract patterns, juxtaposing them with images of doors and windows. These architectural elements symbolize the boundaries between interior and exterior spaces, akin to how human skin mediates internal and external environments.
The work explores conflicts that arise at these boundaries, represented by the dissonance between the alien nature of viruses and the human body. While viruses are threatening to humans, they may embody beauty and order within their own ecosystems. The tension created by such dissonance reflects the uncomfortable realities of human society, veiled under the vibrant and intricate surfaces of the virus forms.
- Kim Yunkyung
설치 작품을 평면으로 재해석한 작업이다. 천처럼 표현된 벽돌 문양은 실제로 작가가 퍼포먼스를 위해 제작했던 설치 조각물의 일부를 클로즈업하여 그린 것이다. 작품은 공간의 유연성에 대한 작가의 기본 개념을 바탕으로, 안과 밖의 공간을 뒤집는 방식을 통해 경계를 허물고자 한다. 이를 통해 자유로운 상상의 공간을 제시하며, 새로운 세계로 들어가는 통로를 만들어낸다.
-김윤경
This work is a reinterpretation of an installation piece in a two-dimensional format. The brick patterns, depicted to resemble fabric, are close-up depictions of sculptural elements originally created by the artist for a performance.
Rooted in the artist's fundamental concept of spatial flexibility, the piece seeks to dissolve boundaries by inverting interior and exterior spaces. Through this approach, it presents a realm of boundless imagination, creating a passage into a new and unexplored world.
-Kim Yunkyung
심승욱 Sim Seungwook
심승욱(b.1972)은 홍익대학교 학부와 대학원, 시카고예술대학 대학원에서 조소를 전공하였다. ‘한번도 경험하지 못한 익숙함’(2022, 수에뇨339), 부재와 임재 사이’(2015, 갤러리아트사이드), ‘구축/해체’(2014, 문화역서울284 RTO), ‘사유의 경계를 허물다’(2011, 텐리갤러리, 뉴욕), ‘검은 풍경’(2009, 티팟갤러리, 쾰른) 등 국내외에서 총13회의 개인전을 개최하였다. 주요소장처로는 국립현대미술관(미술은행), 서울시립미술관, 칼해머갤러리 등이 있으며 난지창작스튜디오, 인천아트플랫폼, 국립현대미술관 고양레지던시, 뉴욕 ISCP 레지던시 등에 참여하였다.
Born in 1972, Sim Seung-wook studied sculpture at both the undergraduate and graduate levels at Hongik University, and later pursued further studies at the School of the Art Institute of Chicago. He has held 13 solo exhibitions both domestically and internationally, including:
"Unfamiliar Familiarity" (2022, Sueño 339)
"Between Absence and Presence" (2015, Gallery Artside)
"Construction/Deconstruction" (2014, Culture Station Seoul 284 RTO)
"Dismantling the Boundaries of Thought" (2011, Tenri Gallery, New York)
"Black Landscape" (2009, Teapot Gallery, Cologne)
His works are part of collections at major institutions such as the National Museum of Modern and Contemporary Art (Art Bank), the Seoul Museum of Art, and Carl Hammer Gallery. Sim has also participated in various residency programs, including the Nanji Art Studio, Incheon Art Platform, the Goyang Residency of the National Museum of Modern and Contemporary Art, and the International Studio & Curatorial Program (ISCP) in New York.
심승욱 작가는 최근 작업을 통해 삶 속에서 흘러가는 시간과 함께 사라져 버린 확신, 그리고 남겨진 질문들에 대한 성찰을 담는다. 삶의 매 순간 속에서 불확실성과 감정, 그리고 끊임없이 이어지는 질문들을 탐구한다. 작품에는 과거와 현재를 반영하며, 관람객에게 새로운 시각과 감각적인 경험을 제공한다. 이 전시는 작가의 개인적인 성찰을 넘어 관람객들에게도 질문을 던진다. 흘러가는 시간 속에서 우리가 잃어버린 것과 새롭게 발견할 것들에 대해 깊은 생각을 유도하며, 삶을 바라보는 또 다른 관점을 제시한다.
Sim Seung-wook’s recent works delve into the flow of time, the fading certainties of life, and the lingering questions that remain. His art explores the uncertainties, emotions, and endless inquiries that arise in every moment of life. Reflecting both the past and the present, his works offer viewers a fresh perspective and a sensory experience.
This exhibition goes beyond the artist's personal introspection, posing questions to the audience as well. It invites deep contemplation about what we lose and discover as time flows, offering a new lens through which to view life.
아라이 에이 Arai ei
1977 일본 나가노 출생
2024. 개인전 개최(Gallery ColonB, Seoul)
2021,22 Art Show Flower Exhibition 참가 (Hitsuji Gallery, Niigata).
2021,22 공예 트렌드 페어 참가 (Seoul).
2019, 21, 22 3331 Art Faur 참가 (3331 Arts Chiyoda, Tokyo).
2019 개인전 개최 (:b Arts, Seoul).
2016 개인전 개최 (Hitsuji Gallery, Niigata).
2014, 16~18 KIAF Art Seoul 참가 (Seoul).
2021,22 Art Show Flower Exhibition (Hitsuji Gallery, Niigata).
2021,22 Craft trend fair (Seoul).
2019, 21, 22 3331 Art Fair (3331 Arts Chiyoda, Tokyo).
2019 Solo Exhibition (:b Arts, Seoul).
2016 Solo Exhibition (Hitsuji Gallery, Niigata).
2014, 16~18 KIAF Art Seoul(Seoul).
아라이 에이는 1977년 일본 나가노에서 태어났다. 그는 히나 인형, 이치마츠 인형, 프랑스 인형 등 전통 인형, 일본의 오타쿠 문화의 가라지 키트와 플라스틱 피규어, 그리고 한스 벨머와 시몬 요쓰야의 작품 세계에 영감을 받아 독특한 인형을 제작하기 시작했다. 아라이는 인형에 사용되는 거의 모든 소품을 직접 만들어 사용하며, 근래에는 인형의 머리카락까지 제작하는 것을 새로운 과제로 삼아, 모든 소품을 자급자족하는 것을 목표로 하고 있다. 아라이 에이는 모든 것이 디지털 기술로 대체되고, 사물의 복제와 운송이 쉬워진 세계에 대한 반항심을 자신의 인형을 통해 표현하고자 한다.
Ei Arai was born in 1977 in Nagano, Japan. He started creating unique dolls, drawing inspiration from traditional dolls such as Hina and Ichimatsu dolls, French dolls, as well as garage kits and plastic figures from Japan's otaku culture, and influenced by Hans Bellmer and Simon Yotsuya. Arai makes almost all the accessories used in her dolls herself, and recently, she has taken on the new challenge of making the dolls' hair, aiming to be self-sufficient in all aspects of her creations. Through her dolls, Arai seeks to express a sense of rebellion against a world where everything is replaced by digital technology, facilitating the replication and transportation of objects
야마다 나츠미 Yamada Natsumi
1983년 일본 니가타현 출생
2004년 일본 애니메이션 & 만화 전문학교 졸업
전시
2024년 'CATS IV' 전시회 (히츠지-가로, 일본 니가타)
2023년 개인전 (히츠지-가로, 일본 니가타)
2022년 니가타 풍경 전시회 (히츠지-가로, 일본 니가타)
2021년 'Mask de Art' 전시회 (히츠지-가로, 일본 니가타)
2020년 'Zero Size' 전시회 (히츠지-가로, 일본 니가타)
2014년 KIAF 2014 아트 서울 (한국국제아트페어)
2013년 'Art Show FLOWER' 전시회 (코-히츠지-가로, 일본 니가타), 대구 아트페어 2013 (엑스코, 대구, 한국)
2012년 'Lamb' 전시회 (코-히츠지-가로, 일본 니가타)
2010년 그룹전 (니가타-에야, 카제노-쿠라, 일본 니가타)
2009년 극단 '아프리콧'의 '한여름 밤의 꿈' 의상 디자인 담당
2008~2013년 개인전 (히츠지-가로, 일본 니가타)
2007년 니가타 시 문학 표지 채택
2005~2020, 2023, 2024년 유리화 전시회 (히츠지-가로, 일본 니가타)
2005, 2006년 'CATS' 전시회 (히츠지-가로, 일본 니가타)
1983: Born in Niigata Prefecture, Japan
2004: Graduated from Japan Animation & Manga College
Exhibitions
2024 "Exhibition of CATS IV" (HITSUJI-GARO, Niigata, Japan)
2023 Solo Exhibition (HITSUJI-GARO, Niigata, Japan)
2022 "Niigata Scenery Exhibition" (HITSUJI-GARO, Niigata, Japan)
2021 "Mask de Art" (HITSUJI-GARO, Niigata, Japan)
2020 "Exhibition of Zero Size" (HITSUJI-GARO, Niigata, Japan)
2014 KIAF 2014 ART SEOUL (Korea International Art Fair)
2013 "Art Show FLOWER Exhibition" (Co-HITSUJI-GARO, Niigata, Japan); Daegu Art Fair 2013 (EXCO, Daegu, Korea)
2012 "Lamb Exhibition" (Co-HITSUJI-GARO, Niigata, Japan)
2010 Group Exhibition (NIIGATA-EYA, KAZENO-KURA, Niigata, Japan)
2009 Costume Design for "A Midsummer Night's Dream" by Theater Company Apricot
2008–2013 Solo Exhibitions (HITSUJI-GARO, Niigata, Japan)
2007 Featured on the Cover of Niigata City Literature
2005–2020, 2023, 2024 Glass Painting Exhibitions (HITSUJI-GARO, Niigata, Japan)
2005, 2006 "Exhibition of CATS" (HITSUJI-GARO, Niigata, Japan)
다양한 요리를 모티브로 한 입체 조형 작품은 펠트, 천, 구슬, 자수실 등을 주요 재료로 제작된다. 그 제작 과정은 다음과 같다.
형지 작성 및 재단
먼저, 카피 용지 등을 사용하여 형지를 제작하고, 이를 기반으로 펠트를 재단한다.
코어 제작
복잡한 요리의 형태를 표현하기 위해, 기본적인 입방체나 직육면체 형태의 코어를 펠트로 봉합하여 만들고, 내부에 솜을 채워 형태를 유지한다.
디테일 작업
코어 위에 다양한 장식을 추가하여 원본 요리의 세부 요소를 재현한다. 입체 조형은 빛과 그림자를 활용하여 복잡한 색감을 표현할 수 있으며, 같은 색상의 펠트라도 조명에 따라 다른 색으로 보이게 되어 색상의 제한을 극복하는 데 도움이 된다.
소재와 표현의 특징
펠트는 색상 선택에 제한이 있지만, 입체적인 구조를 통해 이러한 한계를 극복할 수 있다. 전문학교 시절, 동일한 색상을 사용하더라도 화면의 위치마다 다르게 표현하는 법을 배웠으며, 이러한 경험이 입체 조형에서도 유용하게 적용되었다.
제작의 진화
현재까지 100점이 넘는 프랑스 요리를 모티브로 한 작품이 제작되었으며, 이를 모두 나열하면 프렌치 풀 코스가 완성된다. 작품 제작 과정에서 지속적인 개선이 이루어지고 있는데, 예를 들어, 요리를 올린 접시의 경우, 기존에는 마분지에 천을 붙였으나 휘거나 왜곡되는 문제가 있었다. 이를 개선하기 위해 플라스틱 접시에 천을 씌우는 방식으로 변경하여 품질을 높였다.
이러한 과정을 통해, 다양한 요리를 모티브로 한 입체 조형 작품이 완성된다.
Three-dimensional sculptures inspired by various cuisines, including French and Japanese dishes, are crafted using materials such as felt, fabric, beads, and embroidery thread. The creation process involves the following steps:
Pattern Creation and Cutting
First, patterns are designed on paper, which serve as templates for cutting the felt pieces accordingly.
Core Construction
To represent the complex shapes of dishes, basic cubic or rectangular cores are sewn from felt and filled with stuffing to maintain their form.
Detailing
Additional decorative elements are applied to the core to replicate the details of the original dish. The three-dimensional structure utilizes shadows and depth to convey complex color nuances; for instance, the same shade of felt can appear differently under varying lighting conditions, helping to overcome limitations in color availability.
Material Characteristics and Expression
While felt offers a limited color palette, its three-dimensional properties allow for creative expression beyond these constraints. The artist's training included techniques to vary the appearance of identical colors based on their placement, a skill effectively applied in these sculptures.
Evolution of Craftsmanship
To date, over 100 pieces inspired by French cuisine have been created, collectively forming a complete French full-course meal. The production process has seen continuous improvements; for example, initial methods involved attaching fabric to cardboard for plates, which led to warping issues. This was later refined by covering plastic plates with fabric, enhancing durability and quality.
Through these meticulous steps, three-dimensional representations of various dishes are brought to life.
아츠시 카네오야 Atsushi Kaneoya
1989년 치바현 출생
2015 요코하마 대학 공예 디자인 전공 졸업
개인전
2023 <아바타> 아츠시 카네오야 미니전시회, 현대백화점 압구정본점, 서울, 한국
2022 <AVATAR>, 갤러리 콜론비, 서울, 한국
2022 <AVATAR>, 갤러리 콜론비, 서울, 한국
2020 <AVATAR>, 갤러리 콜론비, 서울, 한국
2017 <TRIBE>, Gallery U, 도쿄, 일본
아트페어
2024 <아트페어 아시아 후쿠오카>, 후쿠오카, 일본
2022 <공예트렌드페어>, 서울, 한국
2021 <공예트렌드페어>, 서울, 한국
2019 <아트페어 아시아 후쿠오카>, 후쿠오카, 일본
2019 <3331 치요다 아트페어>, 도쿄, 일본
Born in 1989, Chiba, Japan
Graduated in 2015 from Yokohama University of Art and Design, majoring in Craft and Design
Solo Exhibitions
2023 <Avatar> Mini Exhibition, Hyundai Department Store Apgujeong Main Branch, Seoul, South Korea
2022 <AVATAR>, Gallery Colombe, Seoul, South Korea
2022 <AVATAR>, Gallery Colombe, Seoul, South Korea
2020 <AVATAR>, Gallery Colombe, Seoul, South Korea
2017 <TRIBE>, Gallery U, Tokyo, Japan
Art Fairs
2024 ART FAIR ASIA FUKUOKA, Fukuoka, Japan
2022 Craft Trend Fair, Seoul, South Korea
2021 Craft Trend Fair, Seoul, South Korea
2019 ART FAIR ASIA FUKUOKA, Hotel Okura Fukuoka, Fukuoka, Japan
2019 3331 ART FAIR 2019, 3331 Arts Chiyoda, Tokyo, Japan
아츠시 카네오야는Atsushi Kaneoya(b.1989~)는 치바현에서 태어났고, 요코하마 미술 대학에서 공예 디자인을 전공하였다. 그는 전시회에서 봤던 아벨람 민족(파푸아뉴기니의 부족)의 가면에 매료된 후 아프리카와 파푸아뉴기니의 민족 가면을 연구하게 되었고, 그때부터 애니미즘을 주요 주제로 재치있고 기발하며 유니크한 작품을 만들어 왔다.
그는 크로쉐, 코바늘뜨기 테크닉으로 작업한다. 조형 예술과 조각의 기술은 처음에는 거친 덩어리가 있고 그 다음에는 그 덩어리의 형상이 드러나는 방식으로 만들어진다. 한편, 뜨개질에 의한 3차원 모델링은 가장자리에서부터 형상이 점차 펼쳐지는 방식이다. 그 형태는 뜨개질을 하기 전에는 존재하지 않는 것이다. 이렇듯 우리 곁에 존재하지만 보이지 않는 존재(작가는 ‘아바타’라고 지칭)에 형태를 부여하고, 그것의 이미지를 뚜렷하게 드러낸다.
2019년 AFAF, 3331 Artfair 등 아트페어에 참여하였고 서울과 부산에서 개인전과 그룹전을 열었다. 현대백화점 본점(서울, 압구정)에서 단독 팝업전시를 진행하는 등 활발한 활동을 펼치고 있다.
Atsushi Kaneoya (b. 1989) was born in Chiba, Japan, and graduated from Yokohama University of Art and Design with a major in Craft and Design. He was captivated by the masks of the Abelam people (a tribe from Papua New Guinea) during an exhibition, which led him to study traditional masks from Africa and Papua New Guinea. Since then, he has focused on animism as a central theme, creating unique, witty, and imaginative works.
Kaneoya primarily works with crochet techniques, using a combination of sculptural and craft art processes. His creative approach begins with rough masses that gradually reveal their forms. In contrast, three-dimensional modeling through crochet starts at the edges and expands outward, bringing into existence shapes that did not exist prior to the act of crocheting. Through this process, he gives form and visibility to unseen presences around us, which he refers to as “Avatars.”
Since participating in AFAF and the 3331 Art Fair in 2019, Kaneoya has held several solo and group exhibitions in Seoul and Busan. He has also gained recognition for his solo pop-up exhibition at the Hyundai Department Store Apgujeong Main Branch in Seoul, actively expanding his artistic presence both domestically and internationally.
히로노 토쿠마스 Hirono Tokumas
1989년 일본 가나가와현 출생
2014년 요코하마 미술대학교 공예학과 텍스타일 디자인 전공 학사 졸업
2016년 도쿄예술대학교 공예학과(텍스타일 아트 전공) 석사 졸업
현재 요코하마 미술대학교 텍스타일 디자인 코스 시간강사로 재직 중
개인전
2024년 히로노 토쿠마스 전시회 히토토키 / JINEN GALLERY (도쿄)
2022년 히로노 토쿠마스 전시회 언젠가 / JINEN GALLERY (도쿄)
2021년 히로노 토쿠마스 전시회 기억의 기록 / JINEN GALLERY (도쿄)
2020년 히로노 토쿠마스 전시회 매일이 좋은 날 / JINEN GALLERY (도쿄)
2019년 히로노 토쿠마스 전시회 어느 때의 풍경 / JINEN GALLERY (도쿄)
2017년 히로노 토쿠마스 전시회 계속 내리는 비 / JINEN GALLERY (도쿄)
히로노 토쿠마스 전시회 비가 내리다 / Gallery U (도쿄)
주요 그룹전
2024년 미니어처 우표 걸작 전시 / Gallery Charubasona (인도 콜카타)
파스칼의 나비들 / 겐닌지 료소쿠인 (교토)
2023년 제8회 텍스타일 미니어처전 - 백화백경- / gallery5610, 21세기 현대미술관 (가나자와)
미니어처 우표 걸작 전시 / Nippon Gallery (인도)
2022년 부산 국제 아트페어 / BEXCO 부산 (한국)
상상 - 요코하마 미술대학 연구원 전시 2021- / 요코하마 아카렌가 창고 제1창고 (가나가와)
2021년 3331 아트페어 2021 / 3331 Arts Chiyoda (도쿄)
미래의 텍스타일 표현 - 일본 텍스타일 협의회 전시 / 다카라즈카 예술센터 (효고)
수상 경력
2015년 아타카 상 (도쿄예술대학교)
2014년 우수상 (요코하마 미술대학교 졸업 전시회)
1989 Born in Kanagawa,Japan
2014 BFA in Textile Design Course,Department of Crafts,Yokohama College of Art and Design
2016 MFA in Department of Crafts(Textile Arts),Tokyo University of the Arts
Currently, working as a part-time lecturer at Textile Design Course ,Yokohama University of Art & Design
Solo Exhibition
2024 Hirono Tokumasu Exibition-hitotoki- / JINENGALLERY Tokyo
2022 Hirono Tokumasu Exibition-someday- / JINENGALLERY Tokyo
2021 Hirono Tokumasu Exibition-Recording of memories- / JINENGALLERY Tokyo
2020 Hirono Tokumasu Exibition-every day is a good day- / JINENGALLERY Tokyo
2019 Hirono Tokumasu Exibition-Sometime landscape- / JINENGALLERY Tokyo
2017 Hirono Tokumasu Exibition-Continues to rain- / JINENGALLERY Tokyo
Hirono Tokumasu Exibition-rain falls- / GalleryU TOKYO
Selected Group Exhibitions
2024 Miniature Postage Stamp Masterpieces KOLKATA / Gallery Charubasona / India
Butterflies of Pascal / Kenninji Ryosokuin / Kyoto
2023 The 8th Textile Miniatures - Hyakka Hyakkyo- / gallery5610, 21st Century Museum of Contemporary Art Kanazawa
Miniature Postage Stamp Masterpieces / NipponGalery / India
2022 BUSAN INTERNATIONAL ART FAIR / BEXCOBUSAN / Korea
imajining-Yokohama University of Art and Design Research associate Exhibition 2021- / Yokohama Red Brick WarehouseWarehouse No.1 Kanagawa
2021 3331 ART FAIR 2021 / 3331 Arts Chiyoda Tokyo
TEXTILE in FUTURE EXPRESSION JAPAN TEXTILE COUNCIL in TAKARAZUKA / Takarazuka Art Center Hyogo
Numerous other group exhibitions
Prizes
2015 ATAKA PRIZE Tokyo University of the Arts
2014 Award for Excellence Graduation Exhibition of YOKOHAMA College of Art & Design
저는 펠트 수축 기법을 중심으로 작업을 이어오고 있습니다.
펠트는 제게 있어 마치 물감과 같습니다.
펠트를 겹치는 행위는 물감을 겹치는 행위와도 닮아 있습니다.
작품의 테마는 “희미한 기억”으로, 어린 시절의 기억과 일상의 장면을 표현합니다.
- 히로노 토쿠마스
I have continued to work primarily with felt shrinkage techniques.Felt is like paint to me.
The act of layering felt is similar to the act of layering paint.
The theme of my work is "vague memories," expressing childhood memories and everyday scenes.
- Hirono Tokumas
2024 공예트렌드페어 Craft Trend Fair
일정 : 2024년 12월 12일(목) ~ 12월 15일(일) **12일 VIP DAY**
관람시간 : 오전 10시 ~ 오후 7시
*15일(일) 오후 6시까지
장소 : 코엑스 C홀
공예매개관 N201
주최 : 문화체육관광부
주관 : 한국공예·디자인문화진흥원, 공예진흥원
문의 : 070.4222.4986
gallerycolonb@gmail.com
www.colonbarts.com
갤러리 콜론비는 올해로 19회를 맞이하는 2024 공예트렌드페어에 참가합니다.
2021년과 2022년에 이어 세 번째로 참가하는 이번 페어에서는 '현대 공예'에 대한 사유를 바탕으로, 확장된 공예의 개념을 담은 작품들을 선보입니다.
Gallery Colon B is excited to participate in the 2024 Craft Trend Fair, marking its 19th edition.
Following our participation in 2021 and 2022, this will be our third time joining the event.
This year, we aim to present works that embody expanded concepts of craft, reflecting a profound contemplation of contemporary craft practices.
참여 작가
김유주 Kim Yoojoo
김윤경 Kim Yunkyung
심승욱 Sim Seungwook
아라이 에이 Arai Ei
아츠시 카네오야 Kaneoya Atsushi
야마다 나츠미 Yamada Natsumi
히로노 토쿠마스 Hirono Tokumasu
김유주 Kim Yoojoo
1984 서울대학교 미술대학 응용미술과 졸업
1986 서울대학교 대학원 졸업(도자공예)
1990~2003 경기대, 동덕여대, 명지대, 신구대, 서울대 강사
1997 이후 다수의 개인전과 그룹전
시카고, 동경, 샌프란시스코, 서울, 부산 아트페어 출품
현재 토회, 현대도예가회, 국제도자협의회 (IAC) 정회원
1984 Graduated from the Department of Applied Arts, College of Fine Arts, Seoul National University
1986 Graduated from the Graduate School of Ceramics, Seoul National University
1990–2003 Lecturer at Kyunggi University, Dongduk Women’s University, Myongji University, Shingu University, and Seoul National University
Since 1997 Numerous solo and group exhibitions
Participated in art fairs in Chicago, Tokyo, San Francisco, and Seoul
Member of Tohoe and the Contemporary Ceramic Artist, IAC(International Academy of Ceramics) ’ Association.
Migration
저는 완성된 작품을 만졌을 때 어떤 느낌일지에 대해 많이 생각합니다. 표면의 질감과 촉감을 연구하는 것이 제가 작업에서 가장 재미있어하는 부분입니다.
과거 캐스팅으로 하는 작업에서도 흙의 감성을 직접 만질 수 있도록 시유하지 않거나 흙으로 시유하고 여러 번 소성하는 등의 다양한 방법을 도모했던 저는 자기소지의 표면 질감 연구를 확장해서, 물리적 한계가 더 넓다고 할 수 있는 조형토의 힘을 빌어 뼈대를 이루고 살과 피부에 자기소지의 아름다운 질감을 적용해 보았습니다. 섬세한 캐스팅용 자기 소지에 익숙했던 제가 거친 알갱이 같은 조형토에 적응하는 데에는 생각보다 시간이 걸렸습니다.
그 무렵 아들 애가 결혼을 하여 가정을 이루고 새로운 공부와 삶을 위하여 외국으로 이주하였습니다. 적응하느라 고군분투하는 아들에게 새로운 삶의 터전은 미래를 알 수 없는 모험의 땅이었지요. 저는 그가 겪는 문화충격이 마치 저의 작업과 비슷하단 생각이 들었습니다. 적지 않은 나이에 작업과 재료를 바꾸었고, 물성이 전혀 다른 두 재료를 함께 적용하는 새 작업은 그 물성의 차이로 인해 소성 후 서로 화합하기가 쉽지 않고, 작품을 완성하는 일은 '마치 이민자가 겪는 문화충격처럼 지난한 과정이고, 결과를 예측할 수 없지만, 이 새로운 도전은 위험이라는 포장지에 쌓인 희망 덩어리이다'...이런 생각으로 지은 아들의 집은 말하자면 미래를 위한 도전과 화합에 관한 이야기입니다.
이 새로운 시도를 통해 저는 과거 재료를 통제하던 습관에서 벗어나 조금은 더 느슨한 방법으로 재료를 다루고, 재료 스스로 불과의 협력을 도모하도록 덜 통제하고 그 결과에 연연하지 않는 자세를 배우게 된 것 같습니다.
재료의 힘을 믿는 것 또, 불의 힘에 의지하고 결과를 맡기는 것. 재료와 과정을 통제하는 자가 아니라 관리하는 자로서 임하는 것.
젖어 있을 때 성형하는 도자기 소지는 건조와 소성 과정을 지나는 동안 수분이 날아가면서 크기가 줄어듭니다. 모든 도예용 소지는 그 종류에 따라 고유의 수축률을 갖고 있으며, 완성된 기물은 제작할 때보다 약 8~14% 정도 작아집니다. 저의 작업은 비교적 수축률이 적은(약 8~9%) 조형토로 뼈대 기물을 만들고 건조 후에 비교적 수축률이 큰(약12~14%) 자기소지(유약을 섞어 융점을 낮추고 안료를 넣은)로 표면을 겹겹이 바르는 것으로 진행합니다. 수축률과 소성온도의 차이 때문에 한 작품에 함께 사용한 두 개의 다른 소지는 불의 시련을 겪은 후 바람과는 다르게 매우 불안정한 상태로 남습니다. 뼈대보다 더 많이 수축해야 하는 자기 소지는 뼈대에 붙지 못하고 터지거나 벗겨져서 그 무게로 내려앉습니다. 물성 차이와 불의 힘으로 진행하는 이 실험적인 과정은 기온과 습도, 진행 속도, 소성 시간, 가마 안의 환경 등 다른 요인에 의해서도 영향을 받는데, 실패의 위험이 따르고 그 결과를 예측하기가 쉽지 않지만, 의외의 아름다운 결과를 가져오기도 합니다.
- 김유주 작가노트 중
NEXUS
나는 사람이 많이 사는 도시에 살다 보니 자연스럽게 사람이 관심의 대상이 되었다.
인간은 사회적 동물이므로 관계 안에서 성장하고 생존함에도 불구하고 사람 사이에 관계를 맺고 소중히 하는 일은 내게 늘 어려운 숙제이고 세상에 대한 경험치가 쌓일수록 더 어려워지는 것 같다. 나의 작품은, 늘 어려운 도전처럼 느껴지는 ‘관계 맺기‘에 관한 생각과 자세를 이야기한 것이다.
‘연결’이나 ‘결합’이라는 뜻을 가진 ‘넥서스(Nexus)'의 기본적인 형태는 유기체적 덩어리들이다. 원시 생명체처럼 보이는 유기체의 형태들은 개별적으로 놓여 있기도 하지만, 두세 덩어리씩 얽히면서 서로 기대어 의지하는 것 같은 모습을 만들어내고 있다. 흰 덩어리들이 서로 얽히고설켜 뭐 하나를 빼내기 어려울 것 같은 형상이다. 석고를 깎아 유기적인 굴곡 형태를 빚어 만든 작은 개체는 피스가 늘어날수록 서로 맞물리고 옭아매는 관계의 결합으로 나타났다. 혼자일 때는 서지 못하고 서로 의지해야 하는 한자 '사람 人(인)'자 처럼 관계를 이야기한다.
완벽하게 맞물린 듯 보이지만, 가까이 들여다보면 모듈 사이사이에 작은 틈이 존재한다. 틈, 사이라는 것은 결국은 미완의 공간이다. 완성되지 않은 공간이 완성을 향한 과정인 것처럼 인간으로서 성숙되어가는 과정과도 비슷하다. 주변에 좋은 영향력을 미칠 수 있고 배려심을 가질 수 있는지 이 작업을 통해 자연스럽게 스미고자 했다.
-김유주 작가노트 중
Living in a bustling city with a dense population naturally led me to focus on people as the main subject of interest. While humans are social creatures who grow and survive within relationships, forming and cherishing connections with others has always been a challenging task for me. The more life experience I accumulate, the more daunting this challenge seems to become. My work reflects my thoughts and approach to the inherently difficult task of “building relationships.”
The fundamental form of Nexus, which means “connection” or “link,” consists of organic masses. These organic shapes, reminiscent of primitive life forms, sometimes exist individually, but often interweave in groups of two or three, appearing to lean on and rely on one another. The white masses are entangled in such a way that it seems nearly impossible to separate one from the others. As the number of pieces increases, the small entities—carved from plaster into organic, curved forms—manifest as an interconnected and intertwined web of relationships.
Like the Chinese character for “person” (人, in), which illustrates mutual reliance, my work speaks about relationships that cannot be sustained alone. Though they appear perfectly interlocked, a closer inspection reveals small gaps between the modules. These gaps, or spaces in between, represent an incomplete state—unfinished spaces that, like the human journey toward maturity, are part of a process striving for completion. Through this work, I sought to reflect on whether I can exert a positive influence on others and cultivate a sense of empathy and consideration, letting these values naturally permeate through my art.
- Kim Yoojoo
김윤경 Kim Yunkyung
홍익대학교 대학원 미술학과 박사 졸업 (미술학박사, 조소전공)
Goldsmiths College, University of London, MFA Art Practice 졸업
이화여자대학교 조소과 졸업 및 동 대학원 조소과 졸업
개인전(1997년부터 다수의 개인전)
2024 Non-face-to-face (갤러리보나르, 하남)
2018 프리환기 선정전 “공간입기” (환기미술관, 서울)
2018 Viruscape (영은미술관, 경기도)
2017 스푼아트쇼 2017 (킨텍스, 서울)
2016 제13회 김종영 조각상 수상기념 초대전 (김종영미술관, 서울)
그룹전(1993년부터 다수의 개인전)
2024 영월기행 (문화공간 진달래장, 영월)
2024 9th PLAS ART SHOW, 조형아트쇼 (코엑스 B 홀, 서울)
2023 서울아트센터 개관특별전- 알마마터3 (서울아트센터 도암갤러리, 서울)
2022 김종영미술상 역대수상작가전 (김종영미술관, 서울)
2022 띵작! 팔릴레오! (갤러리 콜론비,서울)
2021 현대미술의 시선_현실과 이성의 조응(照應) (양평군립미술관, 경기도)
수상 및 공모 선정
2017 “프리환기 Prix Whanki” 창작공모 당선
2014 제13회 김종영조각상 수상
2013 Kohler BOLD. Art- 콜러 아시아 아트프로그램 후원작가 선정
2008 Taiwan International Video Art Exhibition 2008
2008 Entry forms- 주영한국문화원 재영한인작가전 선정
1997 제4회 공산미술제 우수상
1997 제19회 중앙미술대전 입선
1995 제6회 MBC 한국구상조각대전 입선
설치미술과 퍼포먼스
2016 알마마터2_reflection (가나아트센터, 서울)
2012 +Body+Building+ Dance Circle 21과 협업 (공근혜갤러리, 서울)
2011 System-pia전 오프닝 공연 (영은미술관, 경기도)
2010 REMIND_그곳을 기억하다_영은10주년 기념전 오프닝 공연(영은미술관, 경기도)
2008 4482-Korea emerging artist in London 오프닝 공연 (Bargehouse, London)
2008 Goldsmiths department of Art Postgraduate Show (Bath, London)
레지던시
2017~2018 영은미술관 창작스튜디오, YAFP (Youngen Artist Family Program) 작가, 한국
2007 University of Bern and Goldsmiths College exchange programme, Switzerland
2004~2005 영은미술관 창작스튜디오 5기 작가, 한국
경력
2019-2020 경기도 건축물미술작품 심의위원
2001-2020 가천대학교 대학원 조소과, 이화여자대학교, 수원대학교, 상명대, 홍익대학교 강사
외 다수
출판
Yun-Kyung,Kim, 2004, Mirrored Space, Seoul: ANA, 서울
Yunkyung Kim (김윤경, 金潤卿)
Education
Ph.D. in Fine Arts (Sculpture), Graduate School of Fine Arts, Hongik University, Seoul, Korea
MFA in Art Practice, Goldsmiths College, University of London, UK
BA and MA in Sculpture, Ewha Womans University, Seoul, Korea
Solo Exhibitions (Since 1997)
2024 Non-face-to-face (Gallery Bonard, Hanam, Korea)
2018 Prix Whanki Special Exhibition: Occupying Space (Whanki Museum, Seoul, Korea)
2018 Viruscape (Young Eun Museum of Contemporary Art, Gyeonggi, Korea)
2017 Spoon Art Show 2017 (KINTEX, Seoul, Korea)
2016 13th Kim Chong Yung Sculpture Award Exhibition (Kim Chong Yung Museum, Seoul, Korea)
Group Exhibitions (Since 1993)
2024 Yeongwol Journey (Cultural Space Jindalrae Jang, Yeongwol, Korea)
2024 9th PLAS ART SHOW (COEX Hall B, Seoul, Korea)
2023 Inaugural Exhibition of Seoul Art Center: Alma Mater 3 (Doam Gallery, Seoul Art Center, Seoul, Korea)
2022 Kim Chong Yung Sculpture Award Retrospective Exhibition (Kim Chong Yung Museum, Seoul, Korea)
2022 Masterpieces! Palileo! (Gallery Kolonbi, Seoul, Korea)
2021 Perspectives on Contemporary Art: Correspondence Between Reality and Rationality (Yangpyeong Museum of Art, Gyeonggi, Korea)
Awards and Selections
2017 Winner of Prix Whanki Creative Competition
2014 13th Kim Chong Yung Sculpture Award
2013 Selected Artist, Kohler BOLD. Art- Asia Art Program
2008 Selected Artist, Taiwan International Video Art Exhibition 2008
2008 4482-Korea Emerging Artists in London Exhibition
1997 Excellence Award, 4th Gong San Art Festival
1997 Honorable Mention, 19th Joongang Fine Art Prize
1995 Honorable Mention, 6th MBC Korea Figurative Sculpture Competition
Installation Art and Performances
2016 Alma Mater 2: Reflection (Gana Art Center, Seoul, Korea)
2012 +Body+Building+ in collaboration with Dance Circle 21 (Kongkanhae Gallery, Seoul, Korea)
2011 Opening Performance, System-pia Exhibition (Young Eun Museum of Contemporary Art, Gyeonggi, Korea)
2010 Opening Performance, Remind: Remembering the Place (Young Eun Museum of Contemporary Art, Gyeonggi, Korea)
2008 Opening Performance, 4482-Korea Emerging Artists in London (Bargehouse, London, UK)
2008 Goldsmiths Department of Art Postgraduate Show (Bath, London, UK)
Residencies
2017–2018 Resident Artist, Young Eun Museum of Contemporary Art Studio, YAFP (Youngen Artist Family Program), Korea
2007 Exchange Program Artist, University of Bern and Goldsmiths College, Switzerland
2004–2005 Resident Artist, Young Eun Museum of Contemporary Art Studio (5th Program), Korea
Professional Experience
2019–2020 Artworks and Architecture Review Committee Member, Gyeonggi Province, Korea
2001–2020 Lecturer, Graduate School of Sculpture, Gachon University, Ewha Womans University,
Suwon University, Sangmyung University, Hongik University
Publications
Kim, Yunkyung. 2004. Mirrored Space. Seoul: ANA.
이 작품은 피처럼 흐르는 불꽃 또는 불꽃처럼 흐르는 피의 이미지를 시각적으로 표현한 설치 작업이다. 문짝의 상단을 아치형으로 변형해 중세 제단화나 고딕 건축 요소를 떠올리게 하며, 강렬하고 상징적인 분위기를 연출한다. - 김윤경
This installation visually represents the image of flames flowing like blood or blood flowing like flames. The upper part of the door is arched, evoking elements of medieval altarpieces or Gothic architecture, creating an intense and symbolic atmosphere.
- Kim Yunkyung
‘입을 수 있는 조각’ 시리즈인 (2007~)의 첫 설치와 퍼포먼스 작품을 부조 형식으로 재현했다.
“네 시작은 미약하나 네 나중은 심히 창대하리라.”(욥 8:7)라는 구절처럼, 매일의 일상이 축적되어 역사를 이루듯, 작품은 하루하루의 시작과 다짐이라는 첫걸음에 깊은 의미를 부여한다. 이는 작은 시작이 모여 거대한 변화와 성취로 이어질 수 있음을 강조하며, 창조와 실천의 가치를 환기한다.
- 김윤경
The artist’s first installation and performance piece from the “Wearable Sculptures” series, (2007~), has been reinterpreted in relief form.
As reflected in the phrase, “Though your beginning was small, your latter days will be very great” (Job 8:7), the work emphasizes the significance of daily beginnings and the determination that fuels them. Just as everyday life accumulates to shape history, it highlights the profound value of each small step, underscoring the potential for even modest starts to lead to monumental transformations and achievements.
-Kim Yunkyung
바이러스를 모티브로 한 Viruscape(2015~)설치 작품 시리즈의 미니어처 버전이다. 현미경을 통해 확대된 메르스, 지카, 에볼라 등의 바이러스의 형태를 재조합하고 재배열하여 새로운 추상 패턴으로 제작하였고, 문이나 창문 등의 이미지와 매칭한다. 벽이나 문, 창문 등은 우리의 피부가 신체내부와 외부의 경계인 것처럼 안과 밖의 경계면으로써 피부의 연장선으로 표현한다. 신체의 안과 밖 경계에서 일어나는 갈등상황을 바이러스라는 이질적인 존재와의 충돌로 인한 부조화, 불협화음으로 드러낸다.
사실 바이러스는 인간에게는 위협적이고 치명적인 존재이지만 그들만의 세계에서는 아름다움과 질서가 존재할 수도 있다. 이질적인 것들끼리의 만남에서 발생하는 불협화음은 인간 사회 안에서도 항상 일어나는 상황이다. 현실에서 불편한 상황들을 화려한 색으로 위장한 바이러스 표면으로 덮어버린다.
- 김윤경
About the Viruscape Series (2015–Present)
Viruscape is a miniature installation series inspired by viruses such as MERS, Zika, and Ebola. Using microscopic images, the artist reassembles and rearranges viral forms into new abstract patterns, juxtaposing them with images of doors and windows. These architectural elements symbolize the boundaries between interior and exterior spaces, akin to how human skin mediates internal and external environments.
The work explores conflicts that arise at these boundaries, represented by the dissonance between the alien nature of viruses and the human body. While viruses are threatening to humans, they may embody beauty and order within their own ecosystems. The tension created by such dissonance reflects the uncomfortable realities of human society, veiled under the vibrant and intricate surfaces of the virus forms.
- Kim Yunkyung
설치 작품을 평면으로 재해석한 작업이다. 천처럼 표현된 벽돌 문양은 실제로 작가가 퍼포먼스를 위해 제작했던 설치 조각물의 일부를 클로즈업하여 그린 것이다. 작품은 공간의 유연성에 대한 작가의 기본 개념을 바탕으로, 안과 밖의 공간을 뒤집는 방식을 통해 경계를 허물고자 한다. 이를 통해 자유로운 상상의 공간을 제시하며, 새로운 세계로 들어가는 통로를 만들어낸다.
-김윤경
This work is a reinterpretation of an installation piece in a two-dimensional format. The brick patterns, depicted to resemble fabric, are close-up depictions of sculptural elements originally created by the artist for a performance.
Rooted in the artist's fundamental concept of spatial flexibility, the piece seeks to dissolve boundaries by inverting interior and exterior spaces. Through this approach, it presents a realm of boundless imagination, creating a passage into a new and unexplored world.
-Kim Yunkyung
심승욱 Sim Seungwook
심승욱(b.1972)은 홍익대학교 학부와 대학원, 시카고예술대학 대학원에서 조소를 전공하였다. ‘한번도 경험하지 못한 익숙함’(2022, 수에뇨339), 부재와 임재 사이’(2015, 갤러리아트사이드), ‘구축/해체’(2014, 문화역서울284 RTO), ‘사유의 경계를 허물다’(2011, 텐리갤러리, 뉴욕), ‘검은 풍경’(2009, 티팟갤러리, 쾰른) 등 국내외에서 총13회의 개인전을 개최하였다. 주요소장처로는 국립현대미술관(미술은행), 서울시립미술관, 칼해머갤러리 등이 있으며 난지창작스튜디오, 인천아트플랫폼, 국립현대미술관 고양레지던시, 뉴욕 ISCP 레지던시 등에 참여하였다.
Born in 1972, Sim Seung-wook studied sculpture at both the undergraduate and graduate levels at Hongik University, and later pursued further studies at the School of the Art Institute of Chicago. He has held 13 solo exhibitions both domestically and internationally, including:
"Unfamiliar Familiarity" (2022, Sueño 339)
"Between Absence and Presence" (2015, Gallery Artside)
"Construction/Deconstruction" (2014, Culture Station Seoul 284 RTO)
"Dismantling the Boundaries of Thought" (2011, Tenri Gallery, New York)
"Black Landscape" (2009, Teapot Gallery, Cologne)
His works are part of collections at major institutions such as the National Museum of Modern and Contemporary Art (Art Bank), the Seoul Museum of Art, and Carl Hammer Gallery. Sim has also participated in various residency programs, including the Nanji Art Studio, Incheon Art Platform, the Goyang Residency of the National Museum of Modern and Contemporary Art, and the International Studio & Curatorial Program (ISCP) in New York.
심승욱 작가는 최근 작업을 통해 삶 속에서 흘러가는 시간과 함께 사라져 버린 확신, 그리고 남겨진 질문들에 대한 성찰을 담는다. 삶의 매 순간 속에서 불확실성과 감정, 그리고 끊임없이 이어지는 질문들을 탐구한다. 작품에는 과거와 현재를 반영하며, 관람객에게 새로운 시각과 감각적인 경험을 제공한다. 이 전시는 작가의 개인적인 성찰을 넘어 관람객들에게도 질문을 던진다. 흘러가는 시간 속에서 우리가 잃어버린 것과 새롭게 발견할 것들에 대해 깊은 생각을 유도하며, 삶을 바라보는 또 다른 관점을 제시한다.
Sim Seung-wook’s recent works delve into the flow of time, the fading certainties of life, and the lingering questions that remain. His art explores the uncertainties, emotions, and endless inquiries that arise in every moment of life. Reflecting both the past and the present, his works offer viewers a fresh perspective and a sensory experience.
This exhibition goes beyond the artist's personal introspection, posing questions to the audience as well. It invites deep contemplation about what we lose and discover as time flows, offering a new lens through which to view life.
아라이 에이 Arai ei
1977 일본 나가노 출생
2024. 개인전 개최(Gallery ColonB, Seoul)
2021,22 Art Show Flower Exhibition 참가 (Hitsuji Gallery, Niigata).
2021,22 공예 트렌드 페어 참가 (Seoul).
2019, 21, 22 3331 Art Faur 참가 (3331 Arts Chiyoda, Tokyo).
2019 개인전 개최 (:b Arts, Seoul).
2016 개인전 개최 (Hitsuji Gallery, Niigata).
2014, 16~18 KIAF Art Seoul 참가 (Seoul).
2021,22 Art Show Flower Exhibition (Hitsuji Gallery, Niigata).
2021,22 Craft trend fair (Seoul).
2019, 21, 22 3331 Art Fair (3331 Arts Chiyoda, Tokyo).
2019 Solo Exhibition (:b Arts, Seoul).
2016 Solo Exhibition (Hitsuji Gallery, Niigata).
2014, 16~18 KIAF Art Seoul(Seoul).
아라이 에이는 1977년 일본 나가노에서 태어났다. 그는 히나 인형, 이치마츠 인형, 프랑스 인형 등 전통 인형, 일본의 오타쿠 문화의 가라지 키트와 플라스틱 피규어, 그리고 한스 벨머와 시몬 요쓰야의 작품 세계에 영감을 받아 독특한 인형을 제작하기 시작했다. 아라이는 인형에 사용되는 거의 모든 소품을 직접 만들어 사용하며, 근래에는 인형의 머리카락까지 제작하는 것을 새로운 과제로 삼아, 모든 소품을 자급자족하는 것을 목표로 하고 있다. 아라이 에이는 모든 것이 디지털 기술로 대체되고, 사물의 복제와 운송이 쉬워진 세계에 대한 반항심을 자신의 인형을 통해 표현하고자 한다.
Ei Arai was born in 1977 in Nagano, Japan. He started creating unique dolls, drawing inspiration from traditional dolls such as Hina and Ichimatsu dolls, French dolls, as well as garage kits and plastic figures from Japan's otaku culture, and influenced by Hans Bellmer and Simon Yotsuya. Arai makes almost all the accessories used in her dolls herself, and recently, she has taken on the new challenge of making the dolls' hair, aiming to be self-sufficient in all aspects of her creations. Through her dolls, Arai seeks to express a sense of rebellion against a world where everything is replaced by digital technology, facilitating the replication and transportation of objects
야마다 나츠미 Yamada Natsumi
1983년 일본 니가타현 출생
2004년 일본 애니메이션 & 만화 전문학교 졸업
전시
2024년 'CATS IV' 전시회 (히츠지-가로, 일본 니가타)
2023년 개인전 (히츠지-가로, 일본 니가타)
2022년 니가타 풍경 전시회 (히츠지-가로, 일본 니가타)
2021년 'Mask de Art' 전시회 (히츠지-가로, 일본 니가타)
2020년 'Zero Size' 전시회 (히츠지-가로, 일본 니가타)
2014년 KIAF 2014 아트 서울 (한국국제아트페어)
2013년 'Art Show FLOWER' 전시회 (코-히츠지-가로, 일본 니가타), 대구 아트페어 2013 (엑스코, 대구, 한국)
2012년 'Lamb' 전시회 (코-히츠지-가로, 일본 니가타)
2010년 그룹전 (니가타-에야, 카제노-쿠라, 일본 니가타)
2009년 극단 '아프리콧'의 '한여름 밤의 꿈' 의상 디자인 담당
2008~2013년 개인전 (히츠지-가로, 일본 니가타)
2007년 니가타 시 문학 표지 채택
2005~2020, 2023, 2024년 유리화 전시회 (히츠지-가로, 일본 니가타)
2005, 2006년 'CATS' 전시회 (히츠지-가로, 일본 니가타)
1983: Born in Niigata Prefecture, Japan
2004: Graduated from Japan Animation & Manga College
Exhibitions
2024 "Exhibition of CATS IV" (HITSUJI-GARO, Niigata, Japan)
2023 Solo Exhibition (HITSUJI-GARO, Niigata, Japan)
2022 "Niigata Scenery Exhibition" (HITSUJI-GARO, Niigata, Japan)
2021 "Mask de Art" (HITSUJI-GARO, Niigata, Japan)
2020 "Exhibition of Zero Size" (HITSUJI-GARO, Niigata, Japan)
2014 KIAF 2014 ART SEOUL (Korea International Art Fair)
2013 "Art Show FLOWER Exhibition" (Co-HITSUJI-GARO, Niigata, Japan); Daegu Art Fair 2013 (EXCO, Daegu, Korea)
2012 "Lamb Exhibition" (Co-HITSUJI-GARO, Niigata, Japan)
2010 Group Exhibition (NIIGATA-EYA, KAZENO-KURA, Niigata, Japan)
2009 Costume Design for "A Midsummer Night's Dream" by Theater Company Apricot
2008–2013 Solo Exhibitions (HITSUJI-GARO, Niigata, Japan)
2007 Featured on the Cover of Niigata City Literature
2005–2020, 2023, 2024 Glass Painting Exhibitions (HITSUJI-GARO, Niigata, Japan)
2005, 2006 "Exhibition of CATS" (HITSUJI-GARO, Niigata, Japan)
다양한 요리를 모티브로 한 입체 조형 작품은 펠트, 천, 구슬, 자수실 등을 주요 재료로 제작된다. 그 제작 과정은 다음과 같다.
형지 작성 및 재단
먼저, 카피 용지 등을 사용하여 형지를 제작하고, 이를 기반으로 펠트를 재단한다.
코어 제작
복잡한 요리의 형태를 표현하기 위해, 기본적인 입방체나 직육면체 형태의 코어를 펠트로 봉합하여 만들고, 내부에 솜을 채워 형태를 유지한다.
디테일 작업
코어 위에 다양한 장식을 추가하여 원본 요리의 세부 요소를 재현한다. 입체 조형은 빛과 그림자를 활용하여 복잡한 색감을 표현할 수 있으며, 같은 색상의 펠트라도 조명에 따라 다른 색으로 보이게 되어 색상의 제한을 극복하는 데 도움이 된다.
소재와 표현의 특징
펠트는 색상 선택에 제한이 있지만, 입체적인 구조를 통해 이러한 한계를 극복할 수 있다. 전문학교 시절, 동일한 색상을 사용하더라도 화면의 위치마다 다르게 표현하는 법을 배웠으며, 이러한 경험이 입체 조형에서도 유용하게 적용되었다.
제작의 진화
현재까지 100점이 넘는 프랑스 요리를 모티브로 한 작품이 제작되었으며, 이를 모두 나열하면 프렌치 풀 코스가 완성된다. 작품 제작 과정에서 지속적인 개선이 이루어지고 있는데, 예를 들어, 요리를 올린 접시의 경우, 기존에는 마분지에 천을 붙였으나 휘거나 왜곡되는 문제가 있었다. 이를 개선하기 위해 플라스틱 접시에 천을 씌우는 방식으로 변경하여 품질을 높였다.
이러한 과정을 통해, 다양한 요리를 모티브로 한 입체 조형 작품이 완성된다.
Three-dimensional sculptures inspired by various cuisines, including French and Japanese dishes, are crafted using materials such as felt, fabric, beads, and embroidery thread. The creation process involves the following steps:
Pattern Creation and Cutting
First, patterns are designed on paper, which serve as templates for cutting the felt pieces accordingly.
Core Construction
To represent the complex shapes of dishes, basic cubic or rectangular cores are sewn from felt and filled with stuffing to maintain their form.
Detailing
Additional decorative elements are applied to the core to replicate the details of the original dish. The three-dimensional structure utilizes shadows and depth to convey complex color nuances; for instance, the same shade of felt can appear differently under varying lighting conditions, helping to overcome limitations in color availability.
Material Characteristics and Expression
While felt offers a limited color palette, its three-dimensional properties allow for creative expression beyond these constraints. The artist's training included techniques to vary the appearance of identical colors based on their placement, a skill effectively applied in these sculptures.
Evolution of Craftsmanship
To date, over 100 pieces inspired by French cuisine have been created, collectively forming a complete French full-course meal. The production process has seen continuous improvements; for example, initial methods involved attaching fabric to cardboard for plates, which led to warping issues. This was later refined by covering plastic plates with fabric, enhancing durability and quality.
Through these meticulous steps, three-dimensional representations of various dishes are brought to life.
아츠시 카네오야 Atsushi Kaneoya
1989년 치바현 출생
2015 요코하마 대학 공예 디자인 전공 졸업
개인전
2023 <아바타> 아츠시 카네오야 미니전시회, 현대백화점 압구정본점, 서울, 한국
2022 <AVATAR>, 갤러리 콜론비, 서울, 한국
2022 <AVATAR>, 갤러리 콜론비, 서울, 한국
2020 <AVATAR>, 갤러리 콜론비, 서울, 한국
2017 <TRIBE>, Gallery U, 도쿄, 일본
아트페어
2024 <아트페어 아시아 후쿠오카>, 후쿠오카, 일본
2022 <공예트렌드페어>, 서울, 한국
2021 <공예트렌드페어>, 서울, 한국
2019 <아트페어 아시아 후쿠오카>, 후쿠오카, 일본
2019 <3331 치요다 아트페어>, 도쿄, 일본
Born in 1989, Chiba, Japan
Graduated in 2015 from Yokohama University of Art and Design, majoring in Craft and Design
Solo Exhibitions
2023 <Avatar> Mini Exhibition, Hyundai Department Store Apgujeong Main Branch, Seoul, South Korea
2022 <AVATAR>, Gallery Colombe, Seoul, South Korea
2022 <AVATAR>, Gallery Colombe, Seoul, South Korea
2020 <AVATAR>, Gallery Colombe, Seoul, South Korea
2017 <TRIBE>, Gallery U, Tokyo, Japan
Art Fairs
2024 ART FAIR ASIA FUKUOKA, Fukuoka, Japan
2022 Craft Trend Fair, Seoul, South Korea
2021 Craft Trend Fair, Seoul, South Korea
2019 ART FAIR ASIA FUKUOKA, Hotel Okura Fukuoka, Fukuoka, Japan
2019 3331 ART FAIR 2019, 3331 Arts Chiyoda, Tokyo, Japan
아츠시 카네오야는Atsushi Kaneoya(b.1989~)는 치바현에서 태어났고, 요코하마 미술 대학에서 공예 디자인을 전공하였다. 그는 전시회에서 봤던 아벨람 민족(파푸아뉴기니의 부족)의 가면에 매료된 후 아프리카와 파푸아뉴기니의 민족 가면을 연구하게 되었고, 그때부터 애니미즘을 주요 주제로 재치있고 기발하며 유니크한 작품을 만들어 왔다.
그는 크로쉐, 코바늘뜨기 테크닉으로 작업한다. 조형 예술과 조각의 기술은 처음에는 거친 덩어리가 있고 그 다음에는 그 덩어리의 형상이 드러나는 방식으로 만들어진다. 한편, 뜨개질에 의한 3차원 모델링은 가장자리에서부터 형상이 점차 펼쳐지는 방식이다. 그 형태는 뜨개질을 하기 전에는 존재하지 않는 것이다. 이렇듯 우리 곁에 존재하지만 보이지 않는 존재(작가는 ‘아바타’라고 지칭)에 형태를 부여하고, 그것의 이미지를 뚜렷하게 드러낸다.
2019년 AFAF, 3331 Artfair 등 아트페어에 참여하였고 서울과 부산에서 개인전과 그룹전을 열었다. 현대백화점 본점(서울, 압구정)에서 단독 팝업전시를 진행하는 등 활발한 활동을 펼치고 있다.
Atsushi Kaneoya (b. 1989) was born in Chiba, Japan, and graduated from Yokohama University of Art and Design with a major in Craft and Design. He was captivated by the masks of the Abelam people (a tribe from Papua New Guinea) during an exhibition, which led him to study traditional masks from Africa and Papua New Guinea. Since then, he has focused on animism as a central theme, creating unique, witty, and imaginative works.
Kaneoya primarily works with crochet techniques, using a combination of sculptural and craft art processes. His creative approach begins with rough masses that gradually reveal their forms. In contrast, three-dimensional modeling through crochet starts at the edges and expands outward, bringing into existence shapes that did not exist prior to the act of crocheting. Through this process, he gives form and visibility to unseen presences around us, which he refers to as “Avatars.”
Since participating in AFAF and the 3331 Art Fair in 2019, Kaneoya has held several solo and group exhibitions in Seoul and Busan. He has also gained recognition for his solo pop-up exhibition at the Hyundai Department Store Apgujeong Main Branch in Seoul, actively expanding his artistic presence both domestically and internationally.
히로노 토쿠마스 Hirono Tokumas
1989년 일본 가나가와현 출생
2014년 요코하마 미술대학교 공예학과 텍스타일 디자인 전공 학사 졸업
2016년 도쿄예술대학교 공예학과(텍스타일 아트 전공) 석사 졸업
현재 요코하마 미술대학교 텍스타일 디자인 코스 시간강사로 재직 중
개인전
2024년 히로노 토쿠마스 전시회 히토토키 / JINEN GALLERY (도쿄)
2022년 히로노 토쿠마스 전시회 언젠가 / JINEN GALLERY (도쿄)
2021년 히로노 토쿠마스 전시회 기억의 기록 / JINEN GALLERY (도쿄)
2020년 히로노 토쿠마스 전시회 매일이 좋은 날 / JINEN GALLERY (도쿄)
2019년 히로노 토쿠마스 전시회 어느 때의 풍경 / JINEN GALLERY (도쿄)
2017년 히로노 토쿠마스 전시회 계속 내리는 비 / JINEN GALLERY (도쿄)
히로노 토쿠마스 전시회 비가 내리다 / Gallery U (도쿄)
주요 그룹전
2024년 미니어처 우표 걸작 전시 / Gallery Charubasona (인도 콜카타)
파스칼의 나비들 / 겐닌지 료소쿠인 (교토)
2023년 제8회 텍스타일 미니어처전 - 백화백경- / gallery5610, 21세기 현대미술관 (가나자와)
미니어처 우표 걸작 전시 / Nippon Gallery (인도)
2022년 부산 국제 아트페어 / BEXCO 부산 (한국)
상상 - 요코하마 미술대학 연구원 전시 2021- / 요코하마 아카렌가 창고 제1창고 (가나가와)
2021년 3331 아트페어 2021 / 3331 Arts Chiyoda (도쿄)
미래의 텍스타일 표현 - 일본 텍스타일 협의회 전시 / 다카라즈카 예술센터 (효고)
수상 경력
2015년 아타카 상 (도쿄예술대학교)
2014년 우수상 (요코하마 미술대학교 졸업 전시회)
1989 Born in Kanagawa,Japan
2014 BFA in Textile Design Course,Department of Crafts,Yokohama College of Art and Design
2016 MFA in Department of Crafts(Textile Arts),Tokyo University of the Arts
Currently, working as a part-time lecturer at Textile Design Course ,Yokohama University of Art & Design
Solo Exhibition
2024 Hirono Tokumasu Exibition-hitotoki- / JINENGALLERY Tokyo
2022 Hirono Tokumasu Exibition-someday- / JINENGALLERY Tokyo
2021 Hirono Tokumasu Exibition-Recording of memories- / JINENGALLERY Tokyo
2020 Hirono Tokumasu Exibition-every day is a good day- / JINENGALLERY Tokyo
2019 Hirono Tokumasu Exibition-Sometime landscape- / JINENGALLERY Tokyo
2017 Hirono Tokumasu Exibition-Continues to rain- / JINENGALLERY Tokyo
Hirono Tokumasu Exibition-rain falls- / GalleryU TOKYO
Selected Group Exhibitions
2024 Miniature Postage Stamp Masterpieces KOLKATA / Gallery Charubasona / India
Butterflies of Pascal / Kenninji Ryosokuin / Kyoto
2023 The 8th Textile Miniatures - Hyakka Hyakkyo- / gallery5610, 21st Century Museum of Contemporary Art Kanazawa
Miniature Postage Stamp Masterpieces / NipponGalery / India
2022 BUSAN INTERNATIONAL ART FAIR / BEXCOBUSAN / Korea
imajining-Yokohama University of Art and Design Research associate Exhibition 2021- / Yokohama Red Brick WarehouseWarehouse No.1 Kanagawa
2021 3331 ART FAIR 2021 / 3331 Arts Chiyoda Tokyo
TEXTILE in FUTURE EXPRESSION JAPAN TEXTILE COUNCIL in TAKARAZUKA / Takarazuka Art Center Hyogo
Numerous other group exhibitions
Prizes
2015 ATAKA PRIZE Tokyo University of the Arts
2014 Award for Excellence Graduation Exhibition of YOKOHAMA College of Art & Design
저는 펠트 수축 기법을 중심으로 작업을 이어오고 있습니다.
펠트는 제게 있어 마치 물감과 같습니다.
펠트를 겹치는 행위는 물감을 겹치는 행위와도 닮아 있습니다.
작품의 테마는 “희미한 기억”으로, 어린 시절의 기억과 일상의 장면을 표현합니다.
- 히로노 토쿠마스
I have continued to work primarily with felt shrinkage techniques.Felt is like paint to me.
The act of layering felt is similar to the act of layering paint.
The theme of my work is "vague memories," expressing childhood memories and everyday scenes.
- Hirono Tokumas